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50 FOTOGRAFÍAS CON HISTORIA

50 FOTOGRAFÍAS CON HISTORIA.
Centro de Arte Tomás y Valiente. Fuenlabrada
Comisarios: José María Díaz-Maroto / Gonzalo Revidiego

50 fotografías con historia propone un recorrido por los últimos ochenta años de esta disciplina en España a través de sus protagonistas: 50 imágenes. Cada fotografía seleccionada es el reflejo de una época, de una forma de entender la fotografía y, por supuesto, de su correspondiente carga social o humanista.

Debido a la inmediatez de la imagen solemos imaginar la fotografía como un lenguaje inequívoco. Sin embargo, se trata de un lenguaje en constante evolución, con voces heterogéneas y usos diversos surgidos de lo largo de la historia.

Nuestro recorrido visual se inicia con el estallido de la Guerra Civil, momento en el que reporteros gráficos -como Agustí Centelles o Martín Santos Yubero- se convierten en ojos y cronistas del conflicto. En la posguerra y años posteriores no dejan de surgir nombres propios -Ricard Terré, Ramón Masats o Joan Colom, entre otros- que moldean la fotografía de maneras muy diversas: a través del documentalismo, el retrato satírico, el fotoperiodismo o la fotografía de calle.


Benito Román

La exposición continúa por una etapa de España que supuso, también en el lenguaje visual, una evolución necesaria: la Transición. Momento en el que surgen nuevos usos de la fotografía y voces —Alberto García-Alix, Chema Madoz, Pablo Juliá o Marisa Flórez, entre otros- con discursos necesarios para una sociedad en plena efervescencia. También transitamos por el auge del documentalismo y la mirada de los autores españoles al exterior que se inicia en los años 90 y continúa hasta la actualidad con autores clave como Cristina García Rodero, Navia, Isabel Muñoz o Sandra Balsells.


Alberto Schommer

En nuestra propuesta no podemos dejar fuera las miradas que marcan la actualidad fotográfica de nuestro país. Una riqueza narrativa fruto de nuestra historia y que ahora te invitamos a conocer con 50 fotografías ligadas a medio centenar de relatos. Entre la selección de fotógrafos se encuentran diecisiete Premios Nacionales de Fotografía y dos Premios Nacionales de Artes Plásticas.

El reflejo de una época, la forma de entender la fotografía y, por supuesto, la correspondiente carga social o humanista, es lo que se refleja en las 50 imágenes de medio centenar de fotógrafos de reconocido prestigio dentro y fuera de nuestro país: Sandra Balsells, Luís Baylón, Sergio Belinchón, Joana Biarnés, Ricardo Cases, Luis Castelo, Juan Manuel Castro Prieto, Francesc Català Roca, Toni Catany, Agustí Centelles, Joan Colom, Chema Conesa, Matías Costa, Gabriel Cualladó, Juan Manuel Díaz Burgos, Marisa Flórez, Joan Fontcuberta, Cristina García Rodero, Alberto García-Alix, Pierre Gonnord, Elisa González Miralles, Pablo Juliá, Ouka Leele, Xurxo Lobato, César Lucas, Chema Madoz, Fernando Maquieira, Ángel Marcos, Ramón Masats, Oriol Maspons, José María Mellado, Enrique Meneses, Cristina de Middel, Sofía Moro, Nicolás Muller, Isabel Muñoz, Rafael Navarro, Eduardo Nave, José Manuel Navia, Pablo Pérez-Mínguez, Carlos Pérez Siquier, Benito Román, Gervasio Sánchez, Martín Santos Yubero, Rafael Sanz Lobato, Alberto Schommer, Ricard Terré, Miguel Trillo, Virxilio Viéitez y Gerardo Vielba.

Por último, quisiera dar las gracias a Javier Ayala alcalde del Ayuntamiento de Fuenlabrada, que ha hecho posible este proyecto expositivo en el emblemático espacio del Centro de Arte Tomás y Valiente CEART en Fuenlabrada.

José María Díaz-Maroto

Gigantes. Espacios, memoria y tiempo

Gigantes. Espacios, memoria y tiempo.
PHotoESPAÑA 2023. Zaragoza.
Comisario: José María Díaz-Maroto

El paisaje, el reportaje, la abstracción, la fantasía, la ironía y la provocación se mezclan con técnicas y formatos recorriendo más de medio siglo de creación fotográfica.

Juan Manuel Castro Prieto, Chema Madoz, Alberto García-Alix, Isabel Muñoz, Joan Colom, Pablo Pérez Mínguez, Ouka Leele, Alberto Schommer, Gervasio Sánchez, Rafael Sanz Lobato, José Manuel Ballester, Gabriel Cualladó, Pilar Aymerich, Toni Catany, Manuel Vilariño, Montserrat Soto, Carlos Pérez Siquier

La muestra reúne a diecisiete autores y autoras cuya importancia e influencia se extiende sin fronteras, reflejando una visión heterogénea donde conviven con equilibrio los diversos géneros que nos ofrece la fotografía en las últimas décadas.

Exposición al aire libre compuesta por autores que en la actualidad ostentan el Premio Nacional de Fotografía, instaurado por el Ministerio de Cultura y Deporte en 1994. En sus treinta años de existencia, el Premio ha derivado por diversos estilos y criterios, sin seguir una tendencia concreta mezclando generaciones dispares.


Ouka Leele


Rafael Sanz Lobato

VIS A VIS. Pepe Castro

VIS A VIS. Pepe Castro
Centro Cultural La Asunción. Albacete
Organización: Diputación Provincial de Albacete
Comisario: José María Díaz-Maroto
Mayo, 2022

El retrato es uno de los géneros universales de la fotografía y, aunque las primeras imágenes que vieron la luz de mano de Daguerre eran paisajes, fue el retrato el que estableció y consolidó el nuevo proceder de captar imágenes de la realidad. El retrato fotográfico, aunque apoyado en el retrato pictórico, tuvo sobre éste el valor de su infinita reproducibilidad, la inmediatez de su presentación y una notable veracidad de lo que se entendía como «real”, aunque, al mismo tiempo, negaba el atributo de obra única que, hasta entonces, caracterizaba a las obras pictóricas y que las dotaba del prestigio que se derivaba de la autoría -mayor cuanto más grande fuese el prestigio del artista-, de la abundancia infinita del color, y de los nobles materiales con los que la obra estaba realizada – entre ellos el embellecimiento con suntuosos y elaborados marcos-.

Todo esto ponía en duda la capacidad de la fotografía para lograr crédito en la lucha y posicionarse como la manera dominante de representación, pero el paso del tiempo es inapelable, y a pesar de sus detractores y las reprobaciones descalificatorias, no tardó en producirse lo irremediable: el retrato fotográfico se convirtió, en pocos años, en la manera de representar con veracidad al ser humano. En el retrato pictórico la tarea del pintor no era únicamente reproducir de forma fiel la fisonomía, ya que en muchos casos el retratado, generalmente noble y siempre adinerado, además de ser el que encargaba su propio retrato exigía al artista que mostrase su mundo interior y su personalidad.

La obra de Pepe Castro desde hace tres décadas, cumple con magistral precisión los parámetros del retratista original, evitando parafernalias, atavíos o adornos banales, sin distorsiones antes, durante o después de la toma. Su elección se limita con frecuencia al rostro, buscando la fortaleza, dureza, severidad y sinceridad de la mirada, obteniendo vínculos profundos, mostrando el carácter de la persona de forma cautivadora. En sus obras todo importa, incluso los fondos, siempre neutros, ligeramente desenfocados para evitar la confusión y acentuar el protagonismo del sujeto, alcanzando la perfección fotográfica de soberbia calidad en su resultado. Ante la coherencia continua en el discurso de sus obras entendemos la contundencia del título de la exposición “Vis a vis. Pepe Castro”, que nos recuerda continuamente la pureza de las palabras de Henri Cartier-Bresson al definir el retrato…. «El verdadero retrato no pone énfasis ni en lo refinado ni en lo grotesco, sino que intenta reflejar la personalidad del retratado».

Nada es casual en sus obras, escuchar, comprender y convivir -cuando es posible- con los personajes retratados es primordial, a veces incluso más importante que la propia sesión fotográfica. Largas conversaciones, encuentros, dan lugar al conocimiento verdadero de lo que pretende captar, de la esencia vital de la mirada… cara a cara con políticos/as, deportistas, escritores/as, periodistas, humoristas, cantantes, actores, actrices, todos sus retratos marcados por alguna expresión externa palpable, pero con un sentido de identidad muy marcado por la profesión que profesan.

La entereza, tesón y fidelidad espiritual de Pepe Castro a lo largo de su dilatada carrera se ha desarrollado con una intensa y persistente sensibilidad, fiel a sus principios, sin variar un ápice sus pasiones creativas, capaz de trabajar con los mismos patrones desde hace décadas y consiguiendo generar lo que persigue: rostros naturales, sin aditivos como los que se pueden ver en la muestra “Vis a vis. Pepe Castro”, en la que nos encontramos con una ordenada selección de imágenes que relatan una dilatada carrera. Una exposición, estoica y serena en la que se confirma la pasión de Pepe Castro por la pintura renacentista, pudiéndosele atribuir el vocablo de Charles Baudelaire de “pintor de la vida moderna” , ya que fabrica y prepara las fuentes luminosas para obtener de ellas, calor, profundidad y enfoque extremo.

José María Díaz-Maroto


Belén Rueda

Luis Revenga

Luis Revenga
Texto incluido en el catálogo de JORNADES FOTOGRÀFIQUES. Guardamar 2000

FRAGMENTOS DE AVENTURA. José María Díaz-Maroto

José María Díaz-Maroto es uno de los autores más nuevos y vigorosos de la generación intermedia de la fotografía narrativa española.
Cuando contemplamos alguna de las imágenes de Díaz-Maroto, es igual haber visto o no antes esa fotografía: siempre es nueva, siempre parece inédita.
Escenarios, personajes, visiones y sueños aparecen, nos aparecen y representan de inmediato, primero novedad. Luego, frescura, alegría y amor.
Su obra es la crónica de su aventura personal, de la experiencia del viajero que es, del hombre que se sale de lo cotidiano y se sumerge hasta el fondo en cada uno de los momentos que vive intensamente para saber, conocer y así, amar más. De esas vivencias, entresaca fragmentos y los ofrece a su cámara y a nosotros.
Su mirada explora espacios y selecciona, se posa y extra sensaciones. Así, hemos sabido de su hermosa manera de entender el mundo. Cosmopolita, urbano, o invitado por la melancolía del paisaje y los recuerdos: la infancia, el verano, Asturias una y otra vez, la casa de la abuela. La amistad. Los niños fascinados “por salir” en sus fotografías. Amar Cuba. La pasión por el Mediterráneo. Los desvaríos y la especialísima luz del Atlántico, Lisboa, siempre.
En sus encuadres siempre un equilibrio el ritmo y las tensiones de “lo que se ve”, esos fragmentos de vida que nos atrapan, son respuestas: al trabajo, alegría, tristeza, espacios problemáticos, confianza en el instinto, felicidad.

Luis Revenga 2000

Tiempo y memoria. Fotografía española contemporánea

Tiempo y memoria. Fotografía española contemporánea
Organizador: PHotoEspaña y Ayuntamiento de Ferrol
Comisario: José María Diaz-Maroto
03.09.2022 / 26.11.2022

Juan Manuel Castro Prieto / Alberto García-Alix / Chema Madoz / Isabel Muñoz / Ouka Leele / Pablo Pérez Mínguez / Alberto Schommer / Rafael Sanz Lobato / José Manuel Ballester / Gabriel Cualladó / Pilar Aymerich / Toni Catany

La ciudad de Ferrol se suma por primera vez a la programación de PHotoESPAÑA y acogerá en la Plaza de Armas una exposición al aire libre compuesta por los autores que en la actualidad ostentan el Premio Nacional de Fotografía, instaurado por el Ministerio de Cultura y Deporte en 1994. En sus casi treinta años de existencia, el Premio ha derivado por diversos estilos y criterios, sin seguir una tendencia concreta y mezclando generaciones dispares.

Así, la muestra reúne a doce autores y autoras cuya importancia e influencia se extiende sin fronteras, reflejando una visión heterogénea donde conviven con equilibrio los diversos géneros que nos ofrece la fotografía de las últimas décadas. El paisaje, el reportaje, la abstracción, la fantasía, la ironía y la provocación se mezclan con técnicas y formatos recorriendo más de medio siglo de creación fotográfica.

Juan Manuel Castro Prieto

Toni Catany

Isabel Muñoz

Alberto García-Alix

CALMA Y SOSIEGO

EXPOSICIÓN «CALMA Y SOSIEGO». FESTIVAL REVELA´T. X Edición.
Vilassar de Dalt, Barcelona. Septiembre 2022

El sentimiento de calma, que suena sencillo, no siempre es fácil de conseguir. La calma es una de las esenciales habilidades emocionales y la base para una buena salud mental.
Calma es cuando se disfruta el silencio, cuando el ruido no es solo música y locura sino viento, mar o buena compañía.
Acostumbrar el ojo a mirar con calma y con paciencia, y dejar que las cosas se acerquen a él, educar al ojo para una profunda y contemplativa atención, para una mirada larga y pausada.
Únicamente desde la calma, descubres formas y entornos plácidos.

Un espacio ordenado, el detalle de una flor, el modo de caminar, la manera de relacionarte con quienes convives, un tono de música apropiada, la austeridad en lo tangible y los decorados de tu hogar… son medios muy eficaces para vivir en un ambiente de calma y sosiego.


El Pardo, 2015


Playa de la Boca. Trinidad, Cuba 2015


Crepúsculo. Trinidad, Cuba 2017


Exposición REVELA´T – X Edición, 2022

Rafael Navarro. Cuerpo y naturaleza. Universos soñados

Cuerpo y naturaleza. Universos soñados. Rafael Navarro
PHotoEspaña 2022
Centro de Arte Alcobendas.
Esta exposición supone un análisis y una revisión del complejo universo del creador zaragozano a partir de la presentación y ordenamiento de sus proyectos Involución, Dípticos, Patzcuaro, Tientos, Polifonías y Testigos.

Su especial modo de interpretar el cuerpo y la naturaleza a través de la fotografía y su visión ensoñadora, han hecho de Rafael Navarro uno de los creadores mas influyentes, interesantes y reconocibles de la escena artística contemporánea.

Desde su primer trabajo Formas en 1975, las inquietudes de Rafael Navarro han seguidos múltiples caminos, ensayos y expediciones, donde siempre han estado presentes el cuerpo y el entorno natural.


Involución 1. 1976

Díptico 10. 1978

Testigos. Tríptico 2. 2010
Cuerpo y naturaleza. Universos soñados
Con el título “Cuerpo y naturaleza. Universos soñados” Rafael Navarro nos muestra, en más de ciento treinta obras, la conformación de un proyecto expositivo que sobrepasa el límite de la fotografía estrictamente como documento social, y donde el resultado trasciende a una narración estética de un estado y estilo propio en su tiempo y espacio.

En esta cuidada y serena selección, que incluye obras realizadas a lo largo de cinco décadas, se incide en la ensoñación, en lo umbrío, en lo enigmático, donde la luz puede sentirse sin perturbar, sin mostrar más acontecimientos que los que es capaz de provocar: sensaciones esenciales, inesperadas, aquellas que la emoción, y no la exploración ni la sensatez, nos desvelan.

Rafael Navarro no encuentra la inspiración de su trabajo únicamente en la construcción establecida y ordenada del cuerpo, sino que indaga y examina los espacios de fricción que se dan entre la naturaleza y la urbe, la pintura y la fotografía o entre lo transformado y lo original. El compromiso y la manera de acometer sus proyectos están llenos de coherencia; el estilo y personalidad de sus obras es perceptible de forma inequívoca, siendo indiferente el territorio o hemisferio donde se halla capturado la imagen.

Sus fotografías irradian un cuidado cromatismo preservando hasta el mínimo detalle. Su manera directa y frontal de encuadre se aparta de ambiguas angulaciones, rehusando la utilización de recursos efectistas, en definitiva, busca la verdad de una forma limpia en el lugar y en el momento.

Para Rafael Navarro, representar el paisaje -un paisaje ensoñador- presente en sus series Dípticos y Patzcuaro-17, es algo más que una sencilla imagen notarial o la representación de un lugar determinado desde un punto de investigación. El estudio del paisaje constituye una ciencia multidisciplinar que es necesario definir de forma pura y resituar dentro del agitado mundo del arte contemporáneo; “paisaje”, en su esencia, es aquello que está distanciado de nosotros, describiendo el panorama anterior a la frontera de nuestra vista, estando perfectamente representado en las obras Díptico#30, Díptico#31, Díptico#38, Díptico#59 y Patzcuaro 10.

Por insólito que parezca, la dimensión que sugiere la palabra “paisaje” nos lleva más a lo que se intuye que a lo que vemos, “existe una gran interacción entre lo visto y lo oculto, entre lo que se percibe de forma directa y lo que pertenece a la memoria y a la imaginación” .

Desde hace décadas Rafael Navarro ha estado fascinado por la naturalidad, honestidad y nobleza del cuerpo, así como por la naturaleza en sus vertientes originarias. En esta exposición nos recibe con piezas de múltiples formatos, que en conjunto revelan una armonía habitual en su forma de trabajo. La series Involución, Dípticos, Patzcuaro-17, Tientos, Polifonías y Testigos forman el cuerpo perfecto de este proyecto expositivo, con una peculiaridad innata a todas las obras, perfección, calidad y un equilibro impecable. Imágenes que seducen al espectador y con una riqueza embriagadora cargada de sencillez y textura.

Involución (1976) . Es una serie teatral y sensible, donde están presentes los ejes esenciales de la obra de Navarro, el cuerpo y la abstracción. Doce fotografías donde deja presente la marca de la película, prueba indiscutible de que es una fotografía, hecho notarial de la secuencia fotográfica que limita la existencia del cuerpo, verdadero protagonista del proyecto.

Dípticos (1978 – 1985) . Sesenta y nueve fotografías componen esta serie, donde se recorre el paisaje y la arquitectura, símbolos y retratos, mezclando lo etéreo y lo terrenal; quizás su proyecto narrativo más ambicioso y personal. Los dípticos componen acciones por desentrañar, como el desarrollo de las escenas detenidas de una película de misterio, esta es la sensación vivida al contemplarlas. Desafíos y persistencias. Luces y sombras (Díptico#01), Aire y agua (Díptico#27), Madera y árbol (Díptico#51),… ampliaciones y engranajes de formas que nos llevan al encanto del espacio fragmentado.

Patzcuaro-17 (1983) . En esta serie de -únicamente- diez imágenes la repetición geométrica y la sombra son los protagonistas. Está presente la naturaleza y el fervor por el detalle, y la textura, figuradamente silenciosa y sencilla, de una pared desnuda.

Tientos (1995) . En Tientos, Rafael Navarro únicamente nos sugiere sensaciones, emociones, pero sin tocar; representa fragmentos de cuerpos -posiblemente de mujer- arropados con tejidos blancos, huecos que nacen entre paño y piel, que por su delicadeza evoca icónicas ensoñaciones.

Polifonías (1986 – 2015). Solo cinco obras de esta serie están presentes en este proyecto expositivo: El árbol de la libertad , Dúo I, Dúo II, Dúo III y Dúo IV. En 1986 Navarro inicia una etapa clave en su trabajo, comienza la etapa de los “conjuntos”. Unas obras únicas formadas por el conjunto de varias fotografías que se completan, como un puzle, para formar una sola imagen. Se trata de obras de 10, 7, 5, 3 o 1 originales, con lo que reduce drásticamente sus tirajes anteriores, que eran de cincuenta originales .

Testigos (2010) . Serie compuesta por treinta fotografías en tres formatos diferentes y complementarios, composiciones ordenadas de naturaleza apacible, mundos vegetales intimistas donde la forma, el equilibrio y la quietud se convierten en estrellas iluminadas.

Rafael Navarro ha sido capaz de transformar y construir en el espacio del Centro de Arte Alcobendas una mirada única, «su mirada», llena de niveles, mostrando con excelencia, mimo y armonía, sus eternas pasiones creativas: territorio, estancia, cuerpo y silencio.

José María Díaz-Maroto
Marzo 2022

IMPERFECT. Irene del Pino

IMPERFECT. Irene del Pino
Este libro, titulado -IMPERFECT- algo que empezó a ocurrir hace ya tiempo, y aún sigue-, es un recorrido fotográfico por estas comarcas, con un registro de lo que se ve -el paisaje, los edificios y las personas, los hombres y mujeres que aún las habitan- tal como era en algún momento a principios del año 2020.
En este proyecto han intervenido Susana Lorenzo y José María Díaz-Maroto en la labor de edición, control de producción por Beatriz Martín Bernal y editado por Calma y Sosiego EDICIONES. Impresión y encuadernación La Imprenta CG.

Datos del libro
Título: IMPERFECT
Fotografías: Irene del PIno
Medidas: 28 x 21,5 cm
Páginas: 125
Impresión: tapa dura
Precio 25 € (gastos de envío no incluidos)
Editorial: Calma y sosiego EDICIONES
Pedidos: josemaria@diaz-maroto.com

Vi-Viendo Almería. Marina del Mar

VI-VIENDO ALMERÍA. Marina del Mar
Centro Andaluz de la Fotografía, Almeria
29 septiembre 2021 al 23 de enero 2022

Hay quienes opinan que lo adecuado es no adjetivar a un autor y dejar que sus fotografías y acciones hablen por él. Sin em¬-bargo, al examinar a Marina del Mar es imposible evitar que lleguen a nuestra mente un sinfín de calificativos tales como astuta, ingeniosa, incisiva, divertida, socarrona, irónica o/y melancólica… todo eso y mucho más es Marina del Mar.

“Cuanto más sencilla es la historia, más hermosa” … no hay necesidad de palabras.

Su sonrisa ilumina la sala, a pesar del luto riguroso; el rostro de una dama junto a sus recuerdos revela el sacrificio de décadas; un perro desafiante nos mira desde su cancela; maternidad, ocio y belleza en un mismo instante…. Las fotografías de Marina del Mar captan el gesto espontaneo, añadiéndole regularmente un toque de ironía fraternal; sin rastro de orgullo y ventaja se para ante el escenario, sin trampas de cazador furtivo, y conjuga el verbo fotografiar en pretérito perfecto de un modo personal.

Si tuviera que buscar una nota característica y esencial en la forma de ser de Marina del Mar sería, sin duda, su apasionado deseo por transformar todo en imágenes, sin desperdiciar ni un minuto las posibilidades que le ofrece la vida para reflejar, con una carga de sensibilidad y ternura, al ser humano. Marina vive una relación con la realidad/su realidad, a través de la mediación que le ofrece la cámara fotográfica, pero de una forma diferente al resto de los mortales, consiguiendo siempre resultados prodigiosos; aparentemente tranquila, observadora y contemplativa se transforma en apasionada, exaltada y palpitante cuando, cargada al cuello con su cámara, trabaja en los escenarios de cualquier rincón de su Almería natal.

Al observar sus fotografías, con el oficio e intuición obtenido a lo largo de los años, imagino unas reglas estudiadas para el habitual acercamiento de Marina a los sujetos a fotografiar como la cautela en la aproximación, la calma emotiva y la selección del mejor encuadre posible.

En numerosas ocasiones a lo largo de su carrera ha intentado comprender e interpretar, o mejor dicho, asimilar a su experiencia personal, la humanidad que se desprende de situaciones límites como la pobreza, la opulencia, la fiesta o la ausencia de libertad. Ha fotografiado el Barrio de La Chanca entre 1989 y 1992, ha sabido desarrollar y llevar a buen puerto los proyectos De compras, Ferias de barrio o Cocktail. En 2010 inaugura en el patio de la Diputación Provincial de Almería la exposición Perfiles, una galería de retratos de personajes de diferentes ámbitos de esta provincia, y ese mismo año crea el proyecto Great People, donde refleja las costumbres y tradiciones de Almería, con ritos y actividades que forman parte de nuestra cultura e identidad.

Pero sus fotografías nunca están tomadas con el espíritu de un reportero editorial, ella busca el testimonio real, en ocasiones divertido, explora lo auténtico, y de este modo llega a expresar situaciones chispeantes en forma de auténticos relatos visuales.

Vi-Viendo Almería representa una cuidada selección de imágenes del proyecto más solido y vital de Marina del Mar donde su ciudad Almería, y más concretamente sus habitantes, encarnan el papel protagonista, una revisión y un recorrido a décadas llenas de trabajo y pasión, por y para la fotografía.

José María Díaz-Maroto. Julio 2021

GESTO Y ARTIFICIO. Fotografía contemporánea en la Colección Los Bragales

GESTO Y ARTIFICIO. Fotografía contemporánea en la Colección Los Bragales
Exposición en el Centro de Arte Rafael Botí, Córdoba.
17ª Bienal de Fotografía de Córdoba.

Una colección es una descripción que se cimienta a partir del ejercicio y misión de todos los artistas que la constituyen. Es un conjunto de piezas, pero también de nombres. Una colección también es una historia, un lugar en el que el visionado de cada pieza queda condicionada con el resto de obras que la acompañan. Una colección no es un registro, no almacena, sino que selecciona y puede llevarnos a contradicciones, el arte contemporáneo y mas aun la fotografía no manifiesta la totalidad del arte, por lo que su presencia en colecciones constantemente es restringida por motivos de opinión, geográficos o ideológicos, pero no es asi en la Colección Los Bragales donde la evolución en los gustos y sentimientos de su creador Jaime Sordo le ha llevado a coleccionar diferentes soportes como pintura y escultura nacional e internacional y desde 1996 introducir en la colección la fotografía contemporánea, no histórica, con piezas de formato básicamente grande y con artistas de ámbito nacional e internacional con interés especial el la nueva objetividad alemana de los alumnos de los Becher, como Thomas Ruff, Candida Höfer, Alex Hütte, Thomas Struth..

El resultado de esta exposición Acción y representación. Fotografía contemporánea. Colección Los Bragales es algo más que una sucesión de imágenes ordenadas con criterios objetivos, dado que, al concebir su composición, he seleccionado escenografías, historias, reportaje, arquitectura y forma, pero sin caer en lo exótico por exótico y en lo lejano únicamente por ser lejano y extraordinario. La muestra abarca un amplio espectro con diferentes formas de mirar reunidas ante un mismo hilo conductor, donde la diversidad de las propuestas y los tratamientos finales de las obras nos ofrecen múltiples asociaciones estéticas bajo un mismo denominador común: teatralidad, acción y representación.

En esta selección de dieciséis autores se encuentra la mejor representación de la fotografía contemporánea actual presente en la colección Los Bragales. Las obras de AES+F, Gabriele Basilico, Edward Burtynsky, Julia Fullerton-Batten, Nan Goldin, Candida Höfer, Zhang Hyan, Isaac Julien, Ellen Kooi, Michael Najjar, Erwin Olaf, Georges Rousse, Thomas Ruff, Malinie Smith, Wolfgang Tillmans y Gregory Crewdson ilustran de manera diversa, algunos de los conceptos relacionados como la presencia y acción del paso del ser humano en la sociedad actual.

José María Díaz-Maroto


AES+F
El grupo EAS+F logra crear un diálogo múltiple carente de palabras, de manera poética y transgresora y con referencias a la historia del arte, logrando explorar y transmitir los conflictos existentes de la humanidad. En1987 los artistas moscovitas Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich y Evgeny Svyatsky crean AES Group, que cambió posteriormente de nombre a AES+F con la incorporación del fotógrafo Vladimir Fridkes en 1995. El trabajo creativo se centra en la fotografía y video con bases de informática, pero sin olvidar medios más usuales como el dibujo, la pintura y la escultura.

Gabriele Basilico
La ciudad ha sido el origen y motivo del trabajo de investigación en las imágenes de identidad contemporánea de Gabriel Basilico, en esta ocasión las obras Beirut 91A6-572, 2004 y Beirut 91A6-573, 2004 presentes en esta muestra son un fiel ejemplo de ello, instantáneas, de forma habitual sin seres humanos, y cuando estos aparecen lo hacen empequeñecidos. Sus fotografías no son una reflexión de lo que allí ocurrió, sino un destello de lo que subsiste de una ciudad cuando la guerra acaba y la vida renace.

Edward Burtinsky
La obra Urban Renewal 4, 2004 pertenece a la serie China, que evoca la enormidad de la salvaje transición que ha tenido lugar en el país, avanzando hacia una urbanización a gran escala para ubicar a las masas de trabajadores en las industrias manufactureras. Como forma de trabajo Burtinsky consigue situarse en lugares elevados sobre el paisaje mediante tarimas elevadas describiendo el acto de tomar una fotografía en términos de «El Instante Contemplado».

Nan Goldin
Si hay una palabra que sintetiza la humanidad que busca en sus imágenes Goldin es la de aceptación. Su personal estilo fotográfico, definido por la dura realidad y proximidad con los fotografiados, así como la elección de momentos íntimos como objeto de sus imágenes, define un modo de retar el paso del tiempo, en el que placer y dolor coexisten como parte de un todo.

Candida Höfer
Uso y manejo de “los tiempos muertos” en los espacios, acumulando información en cada obra, haciendo que el espectador mire con detenimiento, observe lentamente cada detalle y vea el vacío que provoca la inexistencia humana, plenitud de colores y de composiciones simétricas que hablan en silencio, dejando claro el objetivo al realizarlas, la escritura de un pequeño universo elaborado por manos humanas.

Zhang Huan
Centra su mirada en el desnudo, algo que en China se establece como íntimo pero que el artista transporta al ámbito de la comunicación. La desnudez, según Zhang Huan, implica mostrar la fragilidad del hombre y su identidad. Sus desnudos se intercalan en el campo de las actividades ordinarias estableciendo relaciones con raíces de pensamiento tradicionales de China. El artista introduce al individuo en temáticas típicas del arte occidental pero siempre con líneas que remiten a premisas propias del budismo o el taoísmo, estableciendo una interlocución entre la tradición oriental con implicaciones típicas de la modernidad occidental.

Isaac Julien
La obra Angela in bluen #1 pertenece al proyecto Baltimore, ciudad industrial del estado de Maryland, USA. El cortometraje Baltimore propone el recinto de un museo como escenario para explorar la fantasía y la vida secreta de estas instituciones, donde las imágenes funcionan al margen del curso natural del cortometraje permitiendo al espectador introducirse a un nivel de otros espacios.

Ellen Kooi
Las imágenes de Ellen Kooi evidencian siempre un enérgico y especial carácter personal en el que encontramos varias constantes: gran formato, precisas simetrías, control de la iluminación y la campiña como grandes protagonistas, así como la presencia de la figura humana. De todos esos rasgos, la luz es uno de los más importantes para la fotógrafa. En sus obras la luz natural y artificial se entremezclan dando lugar a escenarios que fluctúan entre lo imaginario y lo real.

Michael Najjar
Enbedded, 2004 pertenece a la serie “Information and Apocalypse” construida por imágenes de escenas impolutas, llenas de un elaborado dramatismo que implican una reflexión sobre la guerra como espectáculo mediático. Enbedded, 2004 contiene un potente contraste entre la crudeza de unas heridas celosamente recreadas, de unos actores paralizados en un momento congelado y el conjunto del acontecimiento, colmado de elementos irónicos, conformando la fortaleza de una estampa barroca.

Georges Rousse
El territorio intervenido tiene su mejor ejemplo en Santander I, 2006, obra de Georges Rousse que partiendo de un lugar abandonado es alterado mediante una construcción amoldada y heterogénea, pero no únicamente actúa como notario de territorios, sino que también enclava un lugar figurativo, cimentado o pintado, que se adapta al espacio.

Thomas Ruff
Thomas Ruff adopta la fotografía como medio para descubrir la pluralidad del terreno visual. Le importa la fotografía como técnica, como instrumento, siendo consciente de su presencia y transcendencia en la sociedad; estudia con detalle que produce la observación y como la percibimos. En W.h.s.07 Thomas Ruff amplia imágenes que circulaban en la web en baja resolución, a gran escala hasta convertir los píxeles de las tremendas escenas en soberbias combinaciones geométricas e imprecisas.

Wolfgang Tillmans
“Parece, pero no lo es” no hay nada casual en sus retratos, proyectan la vulnerabilidad y la dignidad del modelo y, al mismo tiempo, la delicadeza y fragilidad del cuerpo humano. Establece una visión personal sistemática y neutral y al mismo tiempo ocasional y fortuita dentro del axioma del mundo que le rodea… como Wolfgang dice: “Camino sobre una delgada línea entre las cosas que son aleatorias y las que son exactamente precisas”.