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Rafael Navarro. Cuerpo y naturaleza. Universos soñados

Cuerpo y naturaleza. Universos soñados. Rafael Navarro
PHotoEspaña 2022
Centro de Arte Alcobendas.
Esta exposición supone un análisis y una revisión del complejo universo del creador zaragozano a partir de la presentación y ordenamiento de sus proyectos Involución, Dípticos, Patzcuaro, Tientos, Polifonías y Testigos.

Su especial modo de interpretar el cuerpo y la naturaleza a través de la fotografía y su visión ensoñadora, han hecho de Rafael Navarro uno de los creadores mas influyentes, interesantes y reconocibles de la escena artística contemporánea.

Desde su primer trabajo Formas en 1975, las inquietudes de Rafael Navarro han seguidos múltiples caminos, ensayos y expediciones, donde siempre han estado presentes el cuerpo y el entorno natural.


Involución 1. 1976

Díptico 10. 1978

Testigos. Tríptico 2. 2010
Cuerpo y naturaleza. Universos soñados
Con el título “Cuerpo y naturaleza. Universos soñados” Rafael Navarro nos muestra, en más de ciento treinta obras, la conformación de un proyecto expositivo que sobrepasa el límite de la fotografía estrictamente como documento social, y donde el resultado trasciende a una narración estética de un estado y estilo propio en su tiempo y espacio.

En esta cuidada y serena selección, que incluye obras realizadas a lo largo de cinco décadas, se incide en la ensoñación, en lo umbrío, en lo enigmático, donde la luz puede sentirse sin perturbar, sin mostrar más acontecimientos que los que es capaz de provocar: sensaciones esenciales, inesperadas, aquellas que la emoción, y no la exploración ni la sensatez, nos desvelan.

Rafael Navarro no encuentra la inspiración de su trabajo únicamente en la construcción establecida y ordenada del cuerpo, sino que indaga y examina los espacios de fricción que se dan entre la naturaleza y la urbe, la pintura y la fotografía o entre lo transformado y lo original. El compromiso y la manera de acometer sus proyectos están llenos de coherencia; el estilo y personalidad de sus obras es perceptible de forma inequívoca, siendo indiferente el territorio o hemisferio donde se halla capturado la imagen.

Sus fotografías irradian un cuidado cromatismo preservando hasta el mínimo detalle. Su manera directa y frontal de encuadre se aparta de ambiguas angulaciones, rehusando la utilización de recursos efectistas, en definitiva, busca la verdad de una forma limpia en el lugar y en el momento.

Para Rafael Navarro, representar el paisaje -un paisaje ensoñador- presente en sus series Dípticos y Patzcuaro-17, es algo más que una sencilla imagen notarial o la representación de un lugar determinado desde un punto de investigación. El estudio del paisaje constituye una ciencia multidisciplinar que es necesario definir de forma pura y resituar dentro del agitado mundo del arte contemporáneo; “paisaje”, en su esencia, es aquello que está distanciado de nosotros, describiendo el panorama anterior a la frontera de nuestra vista, estando perfectamente representado en las obras Díptico#30, Díptico#31, Díptico#38, Díptico#59 y Patzcuaro 10.

Por insólito que parezca, la dimensión que sugiere la palabra “paisaje” nos lleva más a lo que se intuye que a lo que vemos, “existe una gran interacción entre lo visto y lo oculto, entre lo que se percibe de forma directa y lo que pertenece a la memoria y a la imaginación” .

Desde hace décadas Rafael Navarro ha estado fascinado por la naturalidad, honestidad y nobleza del cuerpo, así como por la naturaleza en sus vertientes originarias. En esta exposición nos recibe con piezas de múltiples formatos, que en conjunto revelan una armonía habitual en su forma de trabajo. La series Involución, Dípticos, Patzcuaro-17, Tientos, Polifonías y Testigos forman el cuerpo perfecto de este proyecto expositivo, con una peculiaridad innata a todas las obras, perfección, calidad y un equilibro impecable. Imágenes que seducen al espectador y con una riqueza embriagadora cargada de sencillez y textura.

Involución (1976) . Es una serie teatral y sensible, donde están presentes los ejes esenciales de la obra de Navarro, el cuerpo y la abstracción. Doce fotografías donde deja presente la marca de la película, prueba indiscutible de que es una fotografía, hecho notarial de la secuencia fotográfica que limita la existencia del cuerpo, verdadero protagonista del proyecto.

Dípticos (1978 – 1985) . Sesenta y nueve fotografías componen esta serie, donde se recorre el paisaje y la arquitectura, símbolos y retratos, mezclando lo etéreo y lo terrenal; quizás su proyecto narrativo más ambicioso y personal. Los dípticos componen acciones por desentrañar, como el desarrollo de las escenas detenidas de una película de misterio, esta es la sensación vivida al contemplarlas. Desafíos y persistencias. Luces y sombras (Díptico#01), Aire y agua (Díptico#27), Madera y árbol (Díptico#51),… ampliaciones y engranajes de formas que nos llevan al encanto del espacio fragmentado.

Patzcuaro-17 (1983) . En esta serie de -únicamente- diez imágenes la repetición geométrica y la sombra son los protagonistas. Está presente la naturaleza y el fervor por el detalle, y la textura, figuradamente silenciosa y sencilla, de una pared desnuda.

Tientos (1995) . En Tientos, Rafael Navarro únicamente nos sugiere sensaciones, emociones, pero sin tocar; representa fragmentos de cuerpos -posiblemente de mujer- arropados con tejidos blancos, huecos que nacen entre paño y piel, que por su delicadeza evoca icónicas ensoñaciones.

Polifonías (1986 – 2015). Solo cinco obras de esta serie están presentes en este proyecto expositivo: El árbol de la libertad , Dúo I, Dúo II, Dúo III y Dúo IV. En 1986 Navarro inicia una etapa clave en su trabajo, comienza la etapa de los “conjuntos”. Unas obras únicas formadas por el conjunto de varias fotografías que se completan, como un puzle, para formar una sola imagen. Se trata de obras de 10, 7, 5, 3 o 1 originales, con lo que reduce drásticamente sus tirajes anteriores, que eran de cincuenta originales .

Testigos (2010) . Serie compuesta por treinta fotografías en tres formatos diferentes y complementarios, composiciones ordenadas de naturaleza apacible, mundos vegetales intimistas donde la forma, el equilibrio y la quietud se convierten en estrellas iluminadas.

Rafael Navarro ha sido capaz de transformar y construir en el espacio del Centro de Arte Alcobendas una mirada única, «su mirada», llena de niveles, mostrando con excelencia, mimo y armonía, sus eternas pasiones creativas: territorio, estancia, cuerpo y silencio.

José María Díaz-Maroto
Marzo 2022

IMPERFECT. Irene del Pino

IMPERFECT. Irene del Pino
Este libro, titulado -IMPERFECT- algo que empezó a ocurrir hace ya tiempo, y aún sigue-, es un recorrido fotográfico por estas comarcas, con un registro de lo que se ve -el paisaje, los edificios y las personas, los hombres y mujeres que aún las habitan- tal como era en algún momento a principios del año 2020.
En este proyecto han intervenido Susana Lorenzo y José María Díaz-Maroto en la labor de edición, control de producción por Beatriz Martín Bernal y editado por Calma y Sosiego EDICIONES. Impresión y encuadernación La Imprenta CG.

Datos del libro
Título: IMPERFECT
Fotografías: Irene del PIno
Medidas: 28 x 21,5 cm
Páginas: 125
Impresión: tapa dura
Precio 25 € (gastos de envío no incluidos)
Editorial: Calma y sosiego EDICIONES
Pedidos: josemaria@diaz-maroto.com

Vi-Viendo Almería. Marina del Mar

VI-VIENDO ALMERÍA. Marina del Mar
Centro Andaluz de la Fotografía, Almeria
29 septiembre 2021 al 23 de enero 2022

Hay quienes opinan que lo adecuado es no adjetivar a un autor y dejar que sus fotografías y acciones hablen por él. Sin em¬-bargo, al examinar a Marina del Mar es imposible evitar que lleguen a nuestra mente un sinfín de calificativos tales como astuta, ingeniosa, incisiva, divertida, socarrona, irónica o/y melancólica… todo eso y mucho más es Marina del Mar.

“Cuanto más sencilla es la historia, más hermosa” … no hay necesidad de palabras.

Su sonrisa ilumina la sala, a pesar del luto riguroso; el rostro de una dama junto a sus recuerdos revela el sacrificio de décadas; un perro desafiante nos mira desde su cancela; maternidad, ocio y belleza en un mismo instante…. Las fotografías de Marina del Mar captan el gesto espontaneo, añadiéndole regularmente un toque de ironía fraternal; sin rastro de orgullo y ventaja se para ante el escenario, sin trampas de cazador furtivo, y conjuga el verbo fotografiar en pretérito perfecto de un modo personal.

Si tuviera que buscar una nota característica y esencial en la forma de ser de Marina del Mar sería, sin duda, su apasionado deseo por transformar todo en imágenes, sin desperdiciar ni un minuto las posibilidades que le ofrece la vida para reflejar, con una carga de sensibilidad y ternura, al ser humano. Marina vive una relación con la realidad/su realidad, a través de la mediación que le ofrece la cámara fotográfica, pero de una forma diferente al resto de los mortales, consiguiendo siempre resultados prodigiosos; aparentemente tranquila, observadora y contemplativa se transforma en apasionada, exaltada y palpitante cuando, cargada al cuello con su cámara, trabaja en los escenarios de cualquier rincón de su Almería natal.

Al observar sus fotografías, con el oficio e intuición obtenido a lo largo de los años, imagino unas reglas estudiadas para el habitual acercamiento de Marina a los sujetos a fotografiar como la cautela en la aproximación, la calma emotiva y la selección del mejor encuadre posible.

En numerosas ocasiones a lo largo de su carrera ha intentado comprender e interpretar, o mejor dicho, asimilar a su experiencia personal, la humanidad que se desprende de situaciones límites como la pobreza, la opulencia, la fiesta o la ausencia de libertad. Ha fotografiado el Barrio de La Chanca entre 1989 y 1992, ha sabido desarrollar y llevar a buen puerto los proyectos De compras, Ferias de barrio o Cocktail. En 2010 inaugura en el patio de la Diputación Provincial de Almería la exposición Perfiles, una galería de retratos de personajes de diferentes ámbitos de esta provincia, y ese mismo año crea el proyecto Great People, donde refleja las costumbres y tradiciones de Almería, con ritos y actividades que forman parte de nuestra cultura e identidad.

Pero sus fotografías nunca están tomadas con el espíritu de un reportero editorial, ella busca el testimonio real, en ocasiones divertido, explora lo auténtico, y de este modo llega a expresar situaciones chispeantes en forma de auténticos relatos visuales.

Vi-Viendo Almería representa una cuidada selección de imágenes del proyecto más solido y vital de Marina del Mar donde su ciudad Almería, y más concretamente sus habitantes, encarnan el papel protagonista, una revisión y un recorrido a décadas llenas de trabajo y pasión, por y para la fotografía.

José María Díaz-Maroto. Julio 2021

GESTO Y ARTIFICIO. Fotografía contemporánea en la Colección Los Bragales

GESTO Y ARTIFICIO. Fotografía contemporánea en la Colección Los Bragales
Exposición en el Centro de Arte Rafael Botí, Córdoba.
17ª Bienal de Fotografía de Córdoba.

Una colección es una descripción que se cimienta a partir del ejercicio y misión de todos los artistas que la constituyen. Es un conjunto de piezas, pero también de nombres. Una colección también es una historia, un lugar en el que el visionado de cada pieza queda condicionada con el resto de obras que la acompañan. Una colección no es un registro, no almacena, sino que selecciona y puede llevarnos a contradicciones, el arte contemporáneo y mas aun la fotografía no manifiesta la totalidad del arte, por lo que su presencia en colecciones constantemente es restringida por motivos de opinión, geográficos o ideológicos, pero no es asi en la Colección Los Bragales donde la evolución en los gustos y sentimientos de su creador Jaime Sordo le ha llevado a coleccionar diferentes soportes como pintura y escultura nacional e internacional y desde 1996 introducir en la colección la fotografía contemporánea, no histórica, con piezas de formato básicamente grande y con artistas de ámbito nacional e internacional con interés especial el la nueva objetividad alemana de los alumnos de los Becher, como Thomas Ruff, Candida Höfer, Alex Hütte, Thomas Struth..

El resultado de esta exposición Acción y representación. Fotografía contemporánea. Colección Los Bragales es algo más que una sucesión de imágenes ordenadas con criterios objetivos, dado que, al concebir su composición, he seleccionado escenografías, historias, reportaje, arquitectura y forma, pero sin caer en lo exótico por exótico y en lo lejano únicamente por ser lejano y extraordinario. La muestra abarca un amplio espectro con diferentes formas de mirar reunidas ante un mismo hilo conductor, donde la diversidad de las propuestas y los tratamientos finales de las obras nos ofrecen múltiples asociaciones estéticas bajo un mismo denominador común: teatralidad, acción y representación.

En esta selección de dieciséis autores se encuentra la mejor representación de la fotografía contemporánea actual presente en la colección Los Bragales. Las obras de AES+F, Gabriele Basilico, Edward Burtynsky, Julia Fullerton-Batten, Nan Goldin, Candida Höfer, Zhang Hyan, Isaac Julien, Ellen Kooi, Michael Najjar, Erwin Olaf, Georges Rousse, Thomas Ruff, Malinie Smith, Wolfgang Tillmans y Gregory Crewdson ilustran de manera diversa, algunos de los conceptos relacionados como la presencia y acción del paso del ser humano en la sociedad actual.

José María Díaz-Maroto


AES+F
El grupo EAS+F logra crear un diálogo múltiple carente de palabras, de manera poética y transgresora y con referencias a la historia del arte, logrando explorar y transmitir los conflictos existentes de la humanidad. En1987 los artistas moscovitas Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich y Evgeny Svyatsky crean AES Group, que cambió posteriormente de nombre a AES+F con la incorporación del fotógrafo Vladimir Fridkes en 1995. El trabajo creativo se centra en la fotografía y video con bases de informática, pero sin olvidar medios más usuales como el dibujo, la pintura y la escultura.

Gabriele Basilico
La ciudad ha sido el origen y motivo del trabajo de investigación en las imágenes de identidad contemporánea de Gabriel Basilico, en esta ocasión las obras Beirut 91A6-572, 2004 y Beirut 91A6-573, 2004 presentes en esta muestra son un fiel ejemplo de ello, instantáneas, de forma habitual sin seres humanos, y cuando estos aparecen lo hacen empequeñecidos. Sus fotografías no son una reflexión de lo que allí ocurrió, sino un destello de lo que subsiste de una ciudad cuando la guerra acaba y la vida renace.

Edward Burtinsky
La obra Urban Renewal 4, 2004 pertenece a la serie China, que evoca la enormidad de la salvaje transición que ha tenido lugar en el país, avanzando hacia una urbanización a gran escala para ubicar a las masas de trabajadores en las industrias manufactureras. Como forma de trabajo Burtinsky consigue situarse en lugares elevados sobre el paisaje mediante tarimas elevadas describiendo el acto de tomar una fotografía en términos de «El Instante Contemplado».

Nan Goldin
Si hay una palabra que sintetiza la humanidad que busca en sus imágenes Goldin es la de aceptación. Su personal estilo fotográfico, definido por la dura realidad y proximidad con los fotografiados, así como la elección de momentos íntimos como objeto de sus imágenes, define un modo de retar el paso del tiempo, en el que placer y dolor coexisten como parte de un todo.

Candida Höfer
Uso y manejo de “los tiempos muertos” en los espacios, acumulando información en cada obra, haciendo que el espectador mire con detenimiento, observe lentamente cada detalle y vea el vacío que provoca la inexistencia humana, plenitud de colores y de composiciones simétricas que hablan en silencio, dejando claro el objetivo al realizarlas, la escritura de un pequeño universo elaborado por manos humanas.

Zhang Huan
Centra su mirada en el desnudo, algo que en China se establece como íntimo pero que el artista transporta al ámbito de la comunicación. La desnudez, según Zhang Huan, implica mostrar la fragilidad del hombre y su identidad. Sus desnudos se intercalan en el campo de las actividades ordinarias estableciendo relaciones con raíces de pensamiento tradicionales de China. El artista introduce al individuo en temáticas típicas del arte occidental pero siempre con líneas que remiten a premisas propias del budismo o el taoísmo, estableciendo una interlocución entre la tradición oriental con implicaciones típicas de la modernidad occidental.

Isaac Julien
La obra Angela in bluen #1 pertenece al proyecto Baltimore, ciudad industrial del estado de Maryland, USA. El cortometraje Baltimore propone el recinto de un museo como escenario para explorar la fantasía y la vida secreta de estas instituciones, donde las imágenes funcionan al margen del curso natural del cortometraje permitiendo al espectador introducirse a un nivel de otros espacios.

Ellen Kooi
Las imágenes de Ellen Kooi evidencian siempre un enérgico y especial carácter personal en el que encontramos varias constantes: gran formato, precisas simetrías, control de la iluminación y la campiña como grandes protagonistas, así como la presencia de la figura humana. De todos esos rasgos, la luz es uno de los más importantes para la fotógrafa. En sus obras la luz natural y artificial se entremezclan dando lugar a escenarios que fluctúan entre lo imaginario y lo real.

Michael Najjar
Enbedded, 2004 pertenece a la serie “Information and Apocalypse” construida por imágenes de escenas impolutas, llenas de un elaborado dramatismo que implican una reflexión sobre la guerra como espectáculo mediático. Enbedded, 2004 contiene un potente contraste entre la crudeza de unas heridas celosamente recreadas, de unos actores paralizados en un momento congelado y el conjunto del acontecimiento, colmado de elementos irónicos, conformando la fortaleza de una estampa barroca.

Georges Rousse
El territorio intervenido tiene su mejor ejemplo en Santander I, 2006, obra de Georges Rousse que partiendo de un lugar abandonado es alterado mediante una construcción amoldada y heterogénea, pero no únicamente actúa como notario de territorios, sino que también enclava un lugar figurativo, cimentado o pintado, que se adapta al espacio.

Thomas Ruff
Thomas Ruff adopta la fotografía como medio para descubrir la pluralidad del terreno visual. Le importa la fotografía como técnica, como instrumento, siendo consciente de su presencia y transcendencia en la sociedad; estudia con detalle que produce la observación y como la percibimos. En W.h.s.07 Thomas Ruff amplia imágenes que circulaban en la web en baja resolución, a gran escala hasta convertir los píxeles de las tremendas escenas en soberbias combinaciones geométricas e imprecisas.

Wolfgang Tillmans
“Parece, pero no lo es” no hay nada casual en sus retratos, proyectan la vulnerabilidad y la dignidad del modelo y, al mismo tiempo, la delicadeza y fragilidad del cuerpo humano. Establece una visión personal sistemática y neutral y al mismo tiempo ocasional y fortuita dentro del axioma del mundo que le rodea… como Wolfgang dice: “Camino sobre una delgada línea entre las cosas que son aleatorias y las que son exactamente precisas”.

Luces del Norte. Irene Del Pino

LUCES DEL NORTE / NORTHERN LIGHTS
Exposición en el Centro Cultural Anabel Segura, Alcobendas
Del 16 de junio al 22 de julio 2021

LUCES DEL NORTE / NORTHERN LIGHTS
La fotografía es una fracción, es una elección, es finita, llegando a enmarcar la realidad en una figura racional. De forma generalizada la estructura fotográfica nos ofrece una doble mirada, convirtiéndose en el elemento distintivo de una buena imagen. Una nueva visión sobre lo ficticio, lo selecto de lo enigmático y lo moderado de lo cotidiano, que nos conduce continuamente a la reflexión.

Irene del Pino es una fotógrafa que ha sabido vivir la esencia de la percepción fotográfica en un tiempo real, no teniendo únicamente una técnica bien aprendida, sino creando una forma de transmitir visiones construidas de una realidad que no está al alcance de todos. El escenario de la noche, unido a la arquitectura, sombras y medias luces marca un itinerario creativo cargado de emoción y sentimiento.

En el proyecto Luces del Norte encontramos un cromatismo pulcro hasta el inapreciable detalle, un proceder en el encuadre directo y frontal, prescindiendo de extrañas oscilaciones y sorteando el efectismo, en definitiva, el resultado de la búsqueda de su sinceridad creativa y de su firme mirada. Disfrutemos y contemplemos imágenes de Gijón, Avilés, Santander y Bilbao…imágenes llenas de luces, sombras y racionalidad.

José María Díaz-Maroto, Mayo de 2021

Ana Peláez

Díaz-Maroto, el retratista sincero, el paisajista intemporal, el que mira a la cara, el que se introduce sin prisa, pero sin pausa en los ambientes antes de disparar. Fotógrafo viajero.
Viajes que no buscan lo excepcional y nos llevan hacia la cotidianidad: su tío afilando la guadaña, un guiño, niños jugando en el agua, unos ojos tras el cristal… momentos llenos de miradas que nos dicen más del lugar fotografiado que miles de postales. Esos blancos y negros se hacen presentes en un documentalismo intimista y sencillo que nos transporta a la emoción. Fotógrafo de lo cotidiano.
Sus imágenes cumplen a la (im)perfección la cualidad ancestral e inconsciente de la fotografía, llevándonos a contemplar no tanto el lugar donde están ocurriendo las cosas sino una reelaboración del momento, presente en nuestra imaginación y en nuestros recuerdos. Intimidad compartida que sale a la luz. Fotógrafo de la vida.
Siempre con la cámara en la mano, dispuesto a ayudar, dar ideas, acompañar en los proyectos, a crear ilusiones, a contagiar dinamismo y energía. Buen comisario, mejor amigo, estupendo maestro. Gran fotógrafo.

Una [otra] manera de mirar

Bajo el título UNA [OTRA] MANERA DE MIRAR, se expuso en el Bulevar Salvador Allende de Alcobendas, una selección de 31 imágenes realizadas a lo largo de 25 años en las que destaca la presencia continua del ser humano o el rastro de su intervención en el entorno.
Esta exposición forma parte del programa oficial del Festival PHotoESPAÑA 2020.Inauguración 16 de julio 2020.

UNA [OTRA] MANERA DE MIRAR.
Mirar genera movimiento. Mirar significa pensar, juzgar, moverse, estar vivo, ir hacia otro lugar, ir en busca de nuevos paisajes, nuevas gentes, otros ambientes, otras situaciones, otros olores… y en su sentido más básico, mirar también simboliza «ir». Por tanto, detrás del acto de mirar/fotografiar se encuentra una intención de “buscar”. Viajando/mirando buscamos algo, generalmente de lo que carecemos en nuestro espacio habitual, en nuestro andar diario, o en nuestra relación con la gente que tratamos con asiduidad. La frecuencia con la que viajamos y miramos influye en nuestra formación, en nuestra forma de ser, de ver la vida y en nuestras actitudes para la toma de decisiones, donde las prisas nunca son buena consejera.
La cámara es una compañera inseparable del viajero y la imagen fotográfica su mejor aliado, una buena utilización de nuestro oficio nos permite dejar constancia de donde estamos, de aquellos paisajes que puede que nunca volvamos a ver, o por lo menos nunca veamos igual, y -sobre todo- de las personas que se cruzaron en nuestro camino.
Estas fotografías realizadas a lo largo de 25 años representan mi forma de mirar, el lado más sincero, donde coinciden de lleno mis intereses internos: naturalidad, curiosidad y la ausencia de denuncia social.
Siempre mirando de frente buscando en el horizonte la estela de alguna estrella o un nuevo sol tropical. Amaneciendo cada día en habitaciones vacías y de madrugada, entre sábanas veladas. A modo de cronista, sin pretensiones, con pasión, pero sin pose ni artificio. No hay manipulación. Retrato la vida, tal cual, sin forzar la situación, sin provocar el encuentro ni esperar el momento concreto.
Mis fotografías son el resultado de una intensa actividad, que parece que surgen así, como “sin querer”, y ahí reside el verdadero interés: sublimar el hecho más cotidiano, la vida simple y trivial, en cualquier instante y en cualquier lugar.

Calma y sosiego. José María Díaz-Maroto

Calma y sosiego
Une en sus páginas fotografía y poesía, conformando en su relato serenidad y placidez. Calma y sosiego está forjado “como un álbum de campo”, donde el paisaje y la memoria son los actores de una historia de coincidencias e indirectas que invitan al lector a imaginar, a valorar el entorno de otra manera.

Datos del libro
Título: Calma y Sosiego
Fotografías: José María Díaz-Maroto
Poemas: Manuel Pérez Martín
Medidas: 21,5 X 28 cm
Páginas: 125
Impresión: tapa dura
Precio: 25 € (gastos de envío no incluidos)
Editorial: Calma y sosiego EDICIONES
Pedidos: josémaria@diaz-maroto.com

NATURALEZA Y LUZ. Pilar Pequeño

NATURALEZA Y LUZ. Pilar Pequeño
Bulevar Salvador Allende – Alcobendas
Desde 10 de noviembre 2019 a 12 de mayo de 2020

naturalezas muertas

Pilar Pequeño. Madrid, 1944
Después de varios años utilizando el dibujo como disciplina creativa, en
1980 se inicia en la fotografía. Dos años después vio la luz su primera
serie, «Paisajes», en la que el agua ya es protagonista principal. Pilar
Pequeño divide su trabajo en series abiertas, en las que la naturaleza es
una constante. Siempre utilizó imágenes en blanco y negro hasta que, en
2010, da cabida al color en su obra, yendo más allá del cromatismo
tradicional.

naturalezas muertas

«La Naturaleza es la protagonista absoluta de la obra de Pilar Pequeño, un
trabajo en el que la belleza reina sobre todas las cosas, pero en el que
encontramos método, estrategia creativa y coherencia. Plantas y frutos que
componen todo un catálogo botánico, siempre en unos formatos fuera del
tiempo, a la justa medida de unas imágenes intimistas y delicadas que
parecen exigir nuestra calma y nuestro silencio para poder acceder a sus
secretos», escribe sobre ella Rosa Olivares en su libro 100 fotógrafos
españoles, editorial Exit.

NATURALEZAS MUERTAS

En 2010 el Ministerio de Cultura le otorga la Medalla de Oro al Mérito en
las Bellas Artes por el conjunto de su obra, en 2017 es galardonada con el
Premio Nacional «Cultura Viva» en su XXVI edición y en 2019, dentro del
Festival PhotoEspaña, recibe el Premio Bartolomé Ros que reconoce la
trayectoria de Pilar Pequeño, su sensibilidad y su especial uso del lenguaje
fotográfico, que la han convertido en una de las autoras más destacadas de
la fotografía española contemporánea.

José María Díaz-Maroto
Conservador y Comisario de la Colección Alcobendas

NATURALEZAS MUERTAS

Madrid siempre. José María Díaz-Maroto

Madrid siempre. José María Díaz-Maroto
Galería POKO ESPACIO
Puerta del Sol, 12 – Madrid

En plena Puerta del Sol, en el portal de un edificio decimonónico, se encuentra este insólito y pequeño espacio expositivo en el que se puede disfrutar de exposiciones fotográficas sobre la ciudad de Madrid.


Puerta del Sol, Madrid 2000

Esta iniciativa, sin ánimo de lucro, es un proyecto de Idea Hotel, una agencia de publicidad creativa que promueve iniciativas que impulsen el tejido social y cultural, cuenta con el patrocinio del estudio de decoración Trama y la colaboración de Bridge Comunicación y Casa de Diego. Parte de los ingresos generados de la venta de las obras expuestas se destinará a la Fundación Juegaterapia.


Puerta del Sol, Madrid 2000

Activa, vital, la ciudad que nunca duerme, así es Madrid. No existe temporada baja, y los turistas ni se notan, camuflados entre sus habitantes, deambulando por las calles, disfrutan de lo caótico, pero también de sus tesoros: el Prado, el Palacio Real, el Café Gijón, la Puerta del Sol o el Joy Eslava. 


Estación de Atocha, Madrid 2000

Madrid, donde el sol luce sin complejos para que los madrileños anden siempre muy recogiditos en la calle. Madrid, lugar de encuentro, cruce de caminos, Atocha, Barajas, Estación Sur.


Estación Sur, Madrid 2000

Y por la noche… ¡porque no! A Casa Patas… en sus paredes Cortés, Canales o Camarón. En la barra, el jefe departe con los clientes, ya amigos, Pepe Carmona, el Negri, Ramón el Portugués, Chavoli o cualquiera que se preste. Esto es Casa Patas, parada y refugio donde artistas, cantaores, aficionados y algún turista despistado, se dan cita con el flamenco que, en la hora bruja, impone su poderío a ritmo de cajón, guitarras y palmas. 

           Así es mi Madrid. Madrid siempre.