La fotografía ha muerto. Colección de fotografía Alcobendas. Centro Huarte, Navarra.

LA FOTOGRAFÍA HA MUERTO. COLECCIÓN DE FOTOGRAFÍA ALCOBENDAS.
A lo largo de los casi dos siglos desde la invención de la fotografía la investigación sobre el control y manipulación de la luz no ha cesado, el estudio y desarrollo de la escritura con luminosidad sigue siendo el aliento de creadores en cualquiera de las latitudes de nuestro planeta. En este momento, en el que estamos viviendo una expansión digital todo sigue un mismo proceso, explorar, descubrir y perfeccionar, en definitiva, construir. Es evidente que, la creación fotográfica actual no solo tiene un registro visual y una manera de representación, la innovación e investigación han ido paralelas al normal desarrollo del testimonio fotográfico y nos ofrecen múltiples caminos hacia los que dirigir nuestro potencial creativo, llevándonos incluso a diluir o romper los límites que separan la fotografía de otras expresiones artísticas como la pintura, el grabado, etc. Desde los primeros fotogramas atribuidos a Man Ray, hasta la delirante actualidad de la creación de obras sin escenario y sin una realidad tangible se nos presenta un amplio abanico de maneras heterogéneas de trabajar, de recursos atractivos y novedosos que nos acercan a la fotografía, pero que finalmente nos llevan a la conclusión –acertada- de que la primitiva concepción de la realidad/verdad de la fotografía hace tiempo que ha muerto.
La fotografía ha muerto. Colección de fotografía Alcobendas.

*temp*
José Manuel Ballester

GARRIDO, AMPARO_S_T. Nº 11. SERIE PERROS. 1998_100 X 100 cm 457
Amparo Garrido

Haciendo una revisión del contenido y continente de esta exposición nos encontramos con interminables perspectivas de representación fotográfica carentes -en su totalidad- de tradición y rutina fotográfica. Desde la técnica del fotograma, personalizada por Tomy Ceballos, Joan Fontcuberta, Julio Álvarez Yagüe, Eduardo Cortils y Antonio Tabernero a la palpitante escenografía de Pilar García Merino, Rosa Muñoz, Jorge Rivalta, Javier Vallhonrat, Ciuco Gutierrez, Luis Castelo y Ouka Leele, o la alterada innovación en el uso del cuerpo como objeto y modelo a través de las obras de Amparo Garrido, Fernando Maquieira, Jesús Micó y Rafael Navarro.
Sin dejar de lado la ironía, provocación e insólita realidad de las piezas de Chema Madoz, Joan Fontcuberta, Mario de Ayguavives, Esther Ferrer, Eduard Ibáñez, Alfonso Herráiz, Dionisio González, Concha Prada o Jorge Rueda, los destellos lumínicos de Daniel Canogar o la universalidad del paisaje como modo de expresión, representado en las sólidas y arriesgadas piezas de Almalé/Bondía, José Manuel Ballester, Bleda y Rosa, Manel Esclusa, Jorge Fuembuena e Irene Grau.
Finaliza este recorrido con una serie de obras que nos llevan a mundos de ensoñación, que nos arrastran a formas y texturas de otros tiempos a través de la utilización de métodos artesanales personificados por autores como Toni Catany, Alicia Estefanía, Javier Esteban, Pep Durán o Manuel Falces.
Por tanto, esta nueva exposición en el Centro de Arte Contemporáneo Huarte cumple con una de las premisas constitucionales de la Colección de fotografía Alcobendas, mostrar lo supremo de la creación española contemporánea, representado, en esta selección, mediante propuestas variadas y lenguajes diversos que han discurrido por caminos experimentales pero siempre con mucho acierto.

José María Díaz-Maroto
Marzo 2016

MAQUIEIRA, FERNANDO_IGOR. INSTITUT ROYAL DES SCIENCES NATURELLES DE BELGIQUE.  2006. SERIE ÁNIMA_1484 x 108 cm 1035
Fernando Maquieira

La emoción de la luz. Colección de fotografía Alcobendas. Ciudadela, Pamplona.

El resultado de esta exposición, La emoción de la Luz. Colección de fotografía Alcobendas, es algo más que una sucesión de imágenes bien ordenadas con criterios objetivos: al concebir su composición se ha seleccionado historia, nuevo documentalismo, retrato, humanidad, paisaje, arquitectura, pero sin caer en lo exótico por exótico y en lo extravagante únicamente por ser extravagante y sorprendente. La muestra abarca un amplio espectro con diferentes formas de mirar unidas por un mismo hilo conductor, donde la diversidad de las propuestas y los tratamientos finales de las imágenes nos ofrecen múltiples asociaciones estéticas bajo un mismo denominador común: la emoción de la luz.

546LUNWERG-   8'
Juan Manuel Castro Prieto

En esta selección de cincuenta y ocho autores está la mejor representación de la creación fotográfica actual presente en nuestra Colección. Las obras de Carlos Cánovas, Koldo Chamorro, Javier Arcenillas, Susi Arta, Luis Baylón, Javier Campano, Juan Manuel Castro Prieto, Francesc Català-Roca, Toni Catany, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Félix Curto, Ricky Dávila, Evaristo Delgado, Juan Manuel Díaz Burgos, Eva dos Santos, Álvaro Felgueroso, Marisa Florez, Joan Fontcuberta, Eugeni Forcano, Ferrán Freixa, Alfonso Garcés, Alberto García Alix, Cristina García Rodero, Benito Román, Paco Gómez, Pierre Gonnord, José Guerrero, Cristóbal Hara, Frank Horvat, Manolo Laguillo, Fernando Manso, Fernando Maquieira, Ramón Masats, Oriol Maspons, José María Mellado, Xavier Miserachs, Oscar Molina, J.A.M Montoya, Nicolás Muller, Isabel Muñoz, Rafael Navarro, Aitor Ortiz, Pilar Pequeño, Pablo Pérez Mínguez, Bernard Plossu, Leopoldo Pomés, Humberto Rivas, Juan Rodríguez, Unai San Martín, Gervasio Sánchez, Rafael Sanz Lobato, Alberto Schommer, Ferdinando Scianna, Manuel Sonseca, Ricard Terré, Virxilio Viéitez y Luis Vioque ilustran de maneras heterogéneas algunos de los conceptos relacionados con la presencia y el sendero plástico del ser humano en la sociedad actual.

José María Díaz-Maroto

GONNORD, PIERRE_BERNARDO. 2006_165 X 125 cm 902
Pierre Gonnord
MULLER, NICOLAS_DESNUDO Y PERRO. TANGER, MARRUECOS . 1940_50 X 60 cm 916
Nicolás Muller

Periferias de la fotografía en la Colección Alcobendas

Nueva itinerancia de La Colección Alcobendas, en esta ocasión ha sido la Ciuda de Ourense. La muestra, comisariada conjuntamente por José María Díaz-Maroto, responsable de la Colección Alcobendas, y por Vítor Nieves, del Outono, está creada expresamente para el lema oficial de la edición 2015 del Outono Fotográfico: Periferias.
“Hablar de periferias en fotografía tiene muchas lecturas, la mayoría de las imágenes seleccionadoas se sitúan en la periferia de la fotografía tradicional”. La colección Alcobendas nació hace 23 años en esa localidad de Madrid con el objetivo de crear una colección de fotografía española contemporánea, en la actualidad cuenta con 850 fotografías de 153 fotógrafos españoles, entre los que se encuentran todos los Premios Nacionales. Como anécdota “por primera vez han salido de la colección la pieza más grande y la más pequeña”. “Todas las imágenes tienen que ver con la periferia física, real o irreal”.
849
Javier Valhonrat
Haciendo una revisión de esta exposición “Periferias de la fotografía en la Colección Alcobendas” nos encontramos con diferentes perspectivas de representación dentro de la técnica del fotograma, impecablemente materializadas por Tomy Ceballos, Eduardo Cortils y Julio Álvarez Yagüe; las palpitantes escenografías de Pilar García Merino, Miguel Ángel Gaüeca, Pablo Genovés, Manolo Bautista, Antonio Bueno, Rosa Muñoz, Ángel Marcos, Javier Vallhonrat, Jorge Rueda, Miguel Ángel Tornero, Marta Soul, Ciuco Gutierrez, Gonzalo Puch y Chema Alvargonzalez, o el camino que nos traslada a mundos de ensoñación a través de la utilización de técnicas artesanales representadas por las obras de Toni Catany, Ouka Leele, Javier Esteban, José Mendoza, Luis Castelo, José Ramón Bas e Isabel Flores, que nos recuerdan formas y texturas de tiempos pasados. Sin olvidar la ironía y provocación de las piezas de Daniel Canogar, Chema Madoz, Almalé & Bondía, Joan Fontcuberta o Alicia Martín. Por lo tanto, esta nueva exposición cumple con una de las premisas constitucionales de la Colección: mostrar lo supremo de la creación española contemporánea. Las colecciones públicas están repletas de caminos experimentales, de aciertos y desaciertos, de propuestas variadas y de lenguajes diversos pero esta selección está cimentada en “lo mejor” teniendo como sustento y soporte teórico el concepto de PERIFERIA, alma de esta nueva edición del Festival Outono Fotografico.

13-Antesala
Pablo Genovés

0668
Luis Castelo

0897
Alicia Martín

1089
Chema Madoz

SLIDELUCK -Madrid IV 08.10.2015

SLIDELUCK Madrid IV se celebró, en colaboración con el IED Visual Madrid, el jueves 8 de octubre de 2015 de 19.00 h a 22.00 h.

En este evento se expusieron los 20 trabajos fotográficos en formato multimedia que han sido seleccionados entre todos los proyectos que hemos recibido en la convocatoria, siguiendo como temática la idea o concepto de “comunicación”. En esta edición hemos contado con el comisario y fotógrafo José María Díaz-Maroto, encargado de realizar la selección de los trabajos.

Fueron seleccionados los siguientes fotógrafos:

Aitor Lara / Álvaro Laiz / Bryan Schutmaat / Celeste Ortiz / David Linuesa / Hugo Alcol / Jerónimo Álvarez / Jesús Labandeira / Joan Fontcuberta / Krzysztof Racoń / Manuel Capón / Marienna García-Gallo / Marta Areces / Mendía Echeverría / Pierfrancesco Celada / Rafael Arocha / Ricardo Cases / Sofía Santaclara / Sonia Hamza / Tomas Lazar.

Siguiendo con esta filosofía de Slideluck, este evento consiste en compartir arte y comida. Por este motivo, todo el mundo está invitado a llevar comida preparada por ellos mismos para compartirla con el resto de asistentes en un descanso que se realizará entre las proyecciones.

SOBRE SLIDELUCK

Slideluck es una organización sin ánimo de lucro que nació en el año 2000, con base en la ciudad de Nueva York, y que actualmente trabaja en más de 100 ciudades de todo el mundo. Su objetivo es crear comunidades con interés en fotografía y gastronomía; a la vez que se crea una plataforma digital artística que da la oportunidad a los artistas de exponer y compartir su trabajo con comisarios, editores, coleccionistas y toda una comunidad artística.

Slideluck organiza eventos que combinan presentaciones multimedia de fotógrafos con una cena compartida por todos los asistentes. Son eventos en donde los artistas exponen su trabajo en un ambiente relajado y agradable, fomentando la participación tanto de profesionales como de aficionados y siendo una gran oportunidad para conocer nuevos artistas y personas con intereses afines. La finalidad de este proyecto es crear un punto de encuentro fuera de los circuitos públicos y privados habituales, sin fines lucrativos ni comerciales, donde además de la proyección de trabajos artísticos, todos los invitados aportan una contribución gastronómica. Qué mejor manera de establecer relaciones y conocer gente nueva que compartiendo una comida y disfrutando de fotografía.

Ricardo cases
Ricardo Cases

miracle del dolphinsurfing
Joan Fontcubarta

12027758_425216534318528_6991337163617210085_n
Bryan Schutmaant

DOCUMENTALISMO Y TRÁNSITO EN LA COLECCIÓN ALCOBENDAS. FOTOGRAFÍA ESPAÑOLA CONTEMPORÁNEA.

A principios del siglo XIX se produce uno de los inventos más revolucionarios de nuestra historia, el nacimiento de la fotografía. A través de investigaciones científicas se había logrado la congelación de una imagen real en un papel emulsionado y esto, que hoy en día nos parece que ha existido desde siempre, aún no ha cumplido doscientos años. Los inicios no fueron fáciles, la captación de una realidad circunscripta en el tiempo como consecuencia de un elemento intangible como la luz y que podía congelar un objeto perceptible por medio de la vista, producía entre los primeros espectadores el efecto de un acto milagroso.

El resultado de esta exposición titulada “Documentalismo y tránsito en la Colección de Alcobendas. Fotografía española contemporánea” es algo más que una sucesión de imágenes bien ordenadas con criterios objetivos, dado que al concebir su composición he seleccionado historia, nuevo documentalismo, retrato, humanidad, paisaje, pero sin caer en lo exótico por exótico y en lo lejano únicamente por ser lejano y extraordinario. La muestra abarca un amplio espectro con diferentes formas de mirar reunidas ante un mismo hilo conductor, donde la diversidad de las propuestas y los tratamientos finales de las imágenes nos ofrecen múltiples asociaciones estéticas bajo un mismo denominador común: el apasionado documentalismo.
001 Jose Manuel Navia.Isla de Mozambique, 2000
José Manuel Navia

009 Juan Manuel Diaz Burgos.Sin titulo. La Habana, Cuba, 1996
Juan Manuel Díaz Burgos

258LA FABRICA-  18.
Ricky Dávila

La fotografía era capaz de convertir en realidad uno de los sueños más antiguos del ser humano, pero la fuerza que tenían los movimientos pictóricos de la época cuestionaron y menospreciaron desde el principio la simpleza y obviedad de este nuevo invento en todos los foros donde la presencia de la imagen empezaba a introducirse, a pesar de que la incipiente fotografía no representaba en sus comienzos ningún peligro para la pintura. Las limitaciones en cuanto a tamaños y la posibilidad de reproducirse solamente en blanco y negro, hacía que se mantuviese en un segundo plano. El interés principal por este nuevo avance radicaba en que por primera vez y sin necesidad de la palabra escrita o de imágenes pintadas se podía fijar y reproducir el presente fielmente. Se lograba creer en el pasado, se podían conocer lugares lejanos sin tener que viajar, la ensoñación de territorios exóticos interpretados por la mano de un pintor ya no eran la única manera de conocer el mundo.

A pesar de todo, muchos artistas que intuían la existencia de un futuro peligro se sentían fascinados por el nacimiento de este medio de expresión artístico que terminaría con el florecimiento de un nuevo lenguaje y estimulando la aparición de diferentes formas de comunicación.

Esta introducción de la disciplina más joven en las artes plásticas lleva a definir una de las tendencias creativas más utilizadas desde sus inicios, la fotografía como documento vinculada al viaje, en definitiva, al tránsito, el eterno anhelo del fotógrafo. El viaje, unido en muchas ocasiones a la aventura, hace que el fotógrafo busque con tesón sus fuentes de inspiración en territorios lejanos, encontrándose de lleno con culturas desconocidas, paisajes e individuos extraños, que generarán un nuevo interés, el de registrar estos nuevos modos de vida. Surge, por tanto, el interés por el retrato, y más concretamente por el retrato ambientado donde el conjunto ordenado de sujeto y espacio nos muestra su historia a través de la obtención del preciado instante fotográfico.

En esta selección de catorce autores está la mejor representación del documentalismo creativo español actual presente en nuestra Colección. Las obras de José Manuel Navia, Fernando Herráez, Juan Manuel Díaz Burgos, Ricky Dávila, Xurxo Lobato, Luis Baylón, Ángel Sanz, Marina del Mar, Miguel Trillo, Cristóbal Hara, Ramón Masats, Gervasio Sánchez, Virxilio Vieítez y Toni Catany ilustran de manera diversa algunos de los conceptos relacionados con la presencia y el paso del hombre por la sociedad actual.

021 Luis Baylon. Coso de las ventas. Mayo, 1999
Luis Baylón

025 Angel Sanz. The trump's tower doorkeeper. NYC. 1996
Ángel Sanz

Miguel Trillo. Skater en El Samil. Vigo, 1995. Cibachrome 40x28cm
Miguel Trillo

037 Cristobal Hara. Amil.Pontevedra, 2005
Cristobal Hara

OUT OF MY TERRITORY / FUERA DE MI TERRITORIO

OUT OF MY TERRITORY / FUERA DE MI TERRITORIO
Comisariado: José María Díaz-Maroto & Beatriz Martín Bernal

“Fuera de mi territorio” recoge el trabajo de 12 fotógrafos que han llevado a cabo sus proyectos fotográficos fuera de su país de origen, produciéndose por tanto un desplazamiento a un territorio ajeno, un lugar contrapuesto que impone nuevas narrativas y nuevos significados que quedan reflejados de forma imperturbable en su obra.

001_EXPOSICION_COVER
Jerónimo Álvarez

Desde el inicio la fotografía ha estado vinculada al viaje, el eterno anhelo del fotógrafo. El anhelado viaje, unido en muchas ocasiones a la aventura, hace que el fotógrafo busque con tesón sus fuentes de inspiración en territorios lejanos, encontrándose de lleno con nuevas culturas, nuevos paisajes y nuevos seres.
Pero el viaje que inician estos autores tiene diferentes propósitos e intenciones, algunos nos muestran un aspecto poético y nostálgico de trayectos infinitos en automóvil es el caso de Jerónimo Álvarez, en una especie de diario de ruta repleto de instantes memorables de un viaje tanto geográfico como imaginario. Parecido al periplo que José Manuel Navia realiza en un principio por Portugal y continuando por otros lugares de la tierra siguiendo las huellas de los descubridores portugueses.
Juan Manuel Ballester, Ángel Marcos y Eduardo Nave, por el contrario, nos presentan un paisaje aséptico, centrado más en el carácter arquitectónico de los países elegidos, dado que sus fotografías están desprovistas a menudo de toda figura humana. A José Manuel Ballester y Ángel Marcos le interesan los grandes espacios y sin embargo a Eduardo Nave los escenarios en los que se se ha desarrollado una parte de nuestra historia.

002
José Ramón Bas
Otros fotógrafos son atraídos por el paisaje tanto natural como urbano, pero en este caso intentando plasmar contextos en los que la pérdida y la ausencia ha quedado anquilosada detrás de una apariencia de normalidad, como vemos en el trabajo de Normandía de Eduardo Nave o en las imágenes de los silenciosos habitantes de la ciudad de Tokio de Antonio Olazábal.
Por último, encontraríamos a un grupo de fotógrafos que utiliza su obra para crear narrativas sobre las costumbres como es el caso de Sandra Balcels o Miguel Trillo.
En este bloque podríamos englobar el trabajo de Matías Costa con los marineros rusos que quedaron anclados en Las Palmas de Gran Canaria tras la desaparición de la Unión Soviética; los menonitas paraguayos de Nueva Durango que retrata Miguel Bergasa a lo largo de 23 años; la fotografía natural, sencilla de José Ramón Bas de niños que viven en desiertos, islas, playas infinitas y alejados del materialismo del hemisferio norte, imágenes manipuladas con mensajes escritos que dialogan con la imagen. Ana Galán nos muestra alegría, dulzura y compenetración entre parejas de mil mundos con una intención idéntica, seguir siendo felices.

CONFIGURACIÓN DEL PROYECTO
El formato de OUT OF MY TERRITORY se compone de 12 piezas audiovisuales con una duración media de cuatro minutos, encabezadas con el título, nombre del autor, breve explicación del contenido y una cadencia de 35 a 45 fotografías.
Este proyecto se ha realiza exclusivamente para exponerse en primicia en http://awindowinberlin.com/

Virxilio Vieítez en el Bulevar de Alcobendas

Una selección de las obras más significactivas de Virxilio Vieítez se exponen en el Bulevar Salvador Allende de Alcobendas.

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

La obra de Virxilio Vieitez, sacada a la luz pública por su hija Keta en 1998, abre uno de los casos más interesantes de la fotografía española “la inclusión por la puerta grande de un archivo netamente profesional en Museos, Colecciones públicas, Centro de Arte y galerías” demostrando el interés colectivo y su valor más allá del merito documental para el que fue realizado.
En la obra de Virxilio destaca de manera primordial la figura humana sin adornos, la sencillez sin modificaciones, una modestia y disciplina que limita con lo anónimo, podemos decir que sus imágenes cuentan de forma integra la historia de lo rural, en definitiva la historia de Galicia.

Con dieciséis años comenzó a trabajar en la construcción y poco después cambió el paisaje y emigró al Pirineo Catalán, donde trabajó como mecánico, lugar donde compró su primera cámara, una Kodak de cajón de formato 6×9, el oficio lo aprendió con Julio Pallí al que agradeció en numerosas ocasiones su gran ayuda y paciencia. Los turistas de la Costa Brava fueron sus primeros clientes pero la tierra tira mucho y pronto volvió a Soutelo de Montes donde montó su estudio.

En poco tiempo se convirtió en el fotógrafo más solicitado de la comarca para realizar reportajes de ceremonias, bodas, retratos, pleitos, funerales y bautismos, documentando con su cámara los momentos claves en la vida de todas las familias de su entorno. En los años ochenta dejó el oficio y metió todos sus negativos y contactos en cajas de latón, Virxilio no quería reconocimientos y optó por el silencio, hasta que su hija Keta, heredera del estudio, desveló el secreto que guardaba y así, a finales de los años noventa su obra fue sacada a la luz, protagonizando la representación de la fotografía gallega en la VIII edición de la Fotobienal de Vigo en 1998.

A partir de este momento Virxilio entró a formar parte de la historia de la fotografía española. En el año 2012 La Fundación MARCO y la Fundación Telefónica organizaron la mayor exposición de Virxilio Vieitez con un éxito de público sin precedentes y donde por primera vez se exhibieron imágenes en color.

José María Díaz-Maroto
Conservador Colección Alcobendas

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

Expo, Marco Vigo, Museo de Arte Contemporaneo de Vigo, Virxilio Vieitez

El paisaje como narración contemporánea

La Exposición EL PAISAJE COMO NARRACIÓN CONTEMPORÁNEA. COLECCIÓN ALCOBENDAS es una nueva e importante exposición de la Colección Alcobendas que recala en esta ocasión en Cáceres, con motivo de la nueva edición de FOROSUR y que permitirá a los visitantes de la muestra recorrer y disfrutar de una visión especial del paisaje como escenario de narración, una mirada fragmentada de la naturaleza con la intención de generar conocimiento y cultura.

EduardoNave-Normandia LesRivages-1. 89,5X 119,5

Eduardo Nave

JoanFontcuberta.GOOGLE-7.160X120

Joan Fontcuberta

Jose Ramon bas 0989. 70X70

José Ramón Bas

Juan de Sande. 127X217

Juan de Sande

Pablo Pérez-Minguez 0913. 60X90

Pablo Pérez Mínguez

Algo tan universal como el paisaje genera innumerables coincidencias y esta ocasión no es diferente, el deterioro de la tierra, la búsqueda de la historia, la apropiación del hombre sobre la naturaleza o la simple intervención y conversión en territorio son algunas de las narraciones que encontramos en las obras seleccionadas de los autores más representativos del panorama español y que parte de su supremo trabajo se encuentra en la Colección Alcobendas. La selección de la muestra EL PAISAJE COMO NARRACIÓN CONTEMPORÁNEA. COLECCIÓN ALCOBENDAS se compone de un total de veinticuatro obras, estando representados los siguientes autores Ángel Marcos, Ana Teresa Ortega, Concha Prada, Joan Fontcuberta, Montse Soto, Pablo Pérez Mínguez, Almalé-Bondía, Bleda & Rosa, Carlós Cánovas, Eduardo Nave, Felix Curto, Gonzalo Puch, José Ramón Bas, Juan de Sande, Luis Vioque, Manolo Bautista, Mayte Vieta, Miguel Ángel Gaueca, Rosa Muñoz y Valentin Vallhonrat.

José María Díaz-Maroto
Conservador y Comisario de La Colección Alcobendas

Human: state of mind. Colección Alcobendas

“Human: state of mind”. Colección Alcobendas
La exposición “Human: state of mind. Colección Alcobendas” compuesta por un total de ochenta y cinco imágenes correspondientes a cuarenta y siete autores españoles es una nueva y primordial muestra de la Colección Alcobendas que viaja, por primera vez a Bulgaria, más concretamente a su capital Sofía donde ha ocupado cinco salas de la Galeria Nacional permitiendo a los visitantes de la muestra recorrer una extensa parte de historia del reportaje fotográfico en España, siendo la presencia implícita del ser humano el hilo conductor de la muestra.
Los maestros neorrealistas de mediados del siglo XX como Francesc Català Roca, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Colita, Ramón Masats, Oriol Maspons, Paco Gómez, Ricard Terré y Virxilio Vieítez, hasta la visión más actual de Almalé/Bondía, Javier Arcenillas, Manolo Bautista, José Ramón Bas, Luis Baylon, Ricky Dávila, Javier Esteban, Joan Fontcuberta, Juan Manuel Díaz Burgos, Alberto García-Alix, Amparo Garrido, Pierre Gonnord, Gabriel Grech, Chema Madoz, Manuel Vilariño, Fernando Maquieira, Ángel Marcos, Ouka Leele, Marc Roses, Gervasio Sánchez, Marta Sentís, Manuel Sonseca, Rafael Trobat y Javier Vallhonrat completando, este salto generacional, con la aportación fundamental de los fotógrafos que desarrollaron su trabajo en los setenta, ochenta y noventa, como Cristina García Rodero, Toni Catany, Marisa Flórez, Fernando Herráez, Rafael Navarro, Humberto Rivas, Benito Román, Jorge Rueda, Ángel Sanz y José Manuel Navia.

Alberto García Alix 02

Alberto García Alix

Chema Madoz 02

Chema Madoz

Cristina García Rodero 02

Cristina García Rodero

Gervasio Sánchez 01

Gervasio Sánchez

Joan Colom 01

Joan Colom

Virxilio Vieitez 01

Virxilio Viéitez

Pero la contribución de La Colección en esta primera edición del festival FOTOFABRIKA no termina con la muestra expositiva sino que dos de los autores españoles de mayor calado internacional, ambos muy bien representados en la Colección Alcobendas, Cristina García Rodero y Chema Madoz impartirán sendos talleres durante el festival, contribuyendo de esta forma a la interrelación cultural de la fotografía como medio de expresión universal.
Para la realización de esta importante exposición de la Colección Alcobendas se ha contado con el patrocinio de la Embajada de España en Bulgaria, la Alcaldía de la Ciudad de Sofía haciendo posible con su contribución esta nueva itinerancia de Colección y cumplimiento -de nuevo- uno de sus objetivos fundacionales como es la su vocación viajara y de divulgación de la cultura visual de nuestro país. De igual forma, reconocer el inestimable trabajo de Ivo Milev (Director Public Engagement) de la Galería Nacional de Sofía y la profesionalidad demostrada en todo momento por Emmy Barouh y Phelia Barouh para llevar a buen puerto este ilusionante proyecto cultural.

José María Díaz-Maroto
Conservador y Comisario de la Colección Alcobendas

ÁNGEL MARCOS. Alrededor del sueño 4. Madrid

La exposición de Ángel Marcos inaugura la temporada 2014-2015 en la Sala Canal de Isabel II de Madrid con la exposición Alrededor del sueño 4. [Madrid], una selección de imágenes de estos tres primeros trabajos y obras de nueva producción realizadas específicamente en Madrid que ofrecen una visión general del proyecto y de la idea principal sobre la que se asienta, que no es otra que la desaparición de la ciudad como elemento determinante de la idea de progreso global. En las imágenes neoyorquinas que iniciaron este proyecto en 2001 destacan los eslóganes y las vallas publicitarias que se utilizan como símbolos de la idea de deseo en una sociedad en la que parece que todo es posible. Imágenes que muestran una realidad muy distinta. Los alrededores de una urbe donde permanecen inertes los restos de un proceso de modernización que ha dejado a su paso cúmulos de basura, abandono y muchos deseos incumplidos.
CF033382

Extracto del texto incluido en el catálogo de la exposición,

Texto: José María Díaz-Maroto
En los primeros días del año 2001 Jimmy Wales y Larry Sanger crean la Wikipedia , “la mayor enciclopedia libre que todos pueden utilizar”. Unos meses más tarde, la insurgencia talibana lleva a cabo la destrucción de los dos Budas de roca de Bamiyán (Afganistán), que habían permanecido intactos desde hacía más de 1.500 años. El 6 de junio del mismo año un jurado de Los Ángeles (California) condena a la empresa Philip Morris a pagar tres mil millones de dólares a un fumador de 56 años de edad con cáncer de pulmón irreversible. El 11 de septiembre se producen los atentados del World Trade Center (Nueva York) y el Pentágono (Virginia) , que provocarán la invasión de Afganistán, por parte de Estados Unidos y sus aliados, el 7 de octubre con la operación “Libertad duradera” .
Todo ello compone un mapa virtual desordenado, desconcertante y turbador, plano en el que Ángel Marcos acomete, sin saberlo, el más importante de sus proyectos vitales Alrededor del sueño. El escenario no puede cambiarse, se juega con las cartas que hay, los acontecimientos aparecen y se sobreponen sin control, pero nuestra actitud y actuación ante la realidad nos pertenece. La educación recibida, las vivencias pasadas, la fascinación por la magia de la fotografía en su fidedigna expresión y la intención de mostrar al unísono el dolor y el afecto han sido, y siguen siendo, fuentes de inspiración perenne en el trabajo de Ángel Marcos.
Al igual que en series previas, como Los Bienaventurados, Obras póstumas o La chute, en Alrededor del sueño también surge un espacio donde se acomete el estado del ser humano, la marginación, el deseo, la frustración o el anhelo , con la diferencia de que en esta ocasión Ángel Marcos abandona los paisajes de Castilla por la ciudad, por el espacio urbano vivido por sus ciudadanos, y como punto de partida toma Nueva York.
Pero si de hablar de ciudad se trata, llegados a este punto es imposible concretar porque al decir ciudad se generan en nuestra mente un sinnúmero de imágenes e ideas distintas que hacen imposible verla como un simple territorio que alberga ciudadanos y, por tanto, es necesario tener en cuenta razonamientos socio-culturales, económicos, políticos o culturales.
Existen múltiples y acertadas afirmaciones sobre las cualidades de la ciudad: Le Corbusier dice que “la gran ciudad se convierte en un centro de atracción que recoge y devuelve los efectos espirituales nacidos de tan intensa concentración. Las grandes ciudades son en realidad, puestos de mando” . Max Derruau apunta que “la ciudad es una aglomeración importante, organizada para la vida colectiva… y en la que una parte notable de la población vive de actividades no agrícolas” , y R. Abler, J. S. Adams y P. Gould afirman que “una ciudad es una organización espacial de personas y actividades especializadas, diseñadas para maximizar los intercambios; a nivel local, la ciudad es el mejor medio de interrelacionar actividades sociales y económicas para máximo beneficio de todas ellas…”.
Pero todas estas definiciones enfocan la ciudad desde un punto de vista económico, político o social, y dejan de lado aspectos más específicos, como el cultural, estético o artístico, algo que el sociólogo Lewis Mumford sí pone de manifiesto cuando dice: “El espacio, lo mismo que el tiempo, se reorganiza artísticamente en las ciudades, en las líneas periféricas y en las siluetas de los edificios. […] Junto con el idioma, es la obra de arte más grande del hombre” .
Ángel Marcos percibe estos aspectos artísticos y los busca para llevar a cabo este proyecto. Aunque sigue siendo ciudad, se aparta de la ciudad: el extrarradio se convierte en su lienzo, las riveras, las construcciones industriales y el abandono son el alimento de sus creaciones. Como suele ser habitual en trabajos anteriores, dispone su destreza y desenvoltura en las referencia filmográficas presentando la obra final como un espléndido montaje cinematográfico. Escenas callejeras, incógnitos transeúntes, la invasión publicitaria en las calles y el sueño americano componen el mensaje de una de las obras más representativas del primer capítulo del largo periplo de Alrededor del sueño y que representa una parte primordial en la cimentación de esta exposición.
Soledad, abandono, desolación y belleza aparecen de forma incesante en las obras de Ángel Marcos, produciendo en el ánimo del observador una sensación de padecimiento, una molestia extraña porque no provoca una afección precisa, sino simplemente nos trastorna el ánimo. Es una sensación similar a la que el propio autor sintió al llegar a Nueva York, y que relata de la siguiente manera: “Al llegar a Manhattan siento la fascinación de lo soñado, de esas otras luces que me hacen pensar que esa era mi ciudad. Sentía, desde hacía tiempo, el desafío de ir a Nueva York y allí dedicarme exclusivamente a mi obra. De una forma inconsciente, me di cuenta de que siempre estaba girando en este concepto de no lugar urbano, me daba cuenta de que siempre había lugares de prohibición o una valla, aunque fuera decorativa; el paso estaba prohibido, de alguna forma te exigían peaje, tenías que mostrar tu identidad” . El conjunto del trabajo que realiza Ángel Marcos en esta ciudad está compuesto por numerosas piezas de diferentes medidas, acabados y materiales, e incluye un vídeo titulado Nueva York, donde encontramos una radicalización en el imaginario de lo periférico, y que lleva a su creador a una visión de la ciudad babélica como un skyline escatológico .
En Cuba titula Ángel Marcos el segundo episodio. En la gran isla, la mayor del Caribe, no hay que escudriñar para encontrar el germen argumental y existencial de este capítulo de Alrededor del sueño. De nuevo la desolación, el abandono y la evocación de una olvidada belleza lo impregnan todo, las ciudades del país se desmoronan, y de forma muy especial La Habana, y es ahí donde Ángel Marcos descubre un yacimiento inagotable para expresar su edén. Lentamente, sin oposición, La Habana puede desaparecer, pero sin desaparecer, se deshace, se desmorona pero continua en pie, sigue, ajena al desaliento, aislada, como algo exclusivo, generando algo irrepetible e inconfundible. Como dice un dicho cubano que se implantó en 1985 y que más tarde se reutilizó en 1991 con la llegada del denominado periodo especial “La Habana no aguanta más” ; cincuenta y cinco años de socialismo la contemplan. Pero Ángel Marcos con modos y fórmulas notariales, hace diez años que se lo cuenta al mundo.
En 1933 el periodista americano Carlton Beals encarga a Walker Evans ilustrar el libro The Crime of Cuba, y sin contemplaciones, pero manteniendo ……..

Nota: Puede solicitarse el texto completo en diazmaroto@telefonica.net